ROMANIAN ARTWORKS
  • Home
  • Adrian Barbu
  • Andreasz Szanto
  • Andrei Matei Banc
  • Claudia Iuliana Ciofu
  • Ciprian Istrate
  • Cornel-Marin Chiorean
  • Daniela Mihai
  • Edgar Balogh
  • Elena EliS - Chiper
  • George Bilan
  • Gabriela Culic
  • Gheorghe Miron
  • Marian Lupu - Lupino
  • Matei Enric
  • Stefan Balan
  • Romanian Masters
  • Lo's Corner
  • Of Books and Other Demons
  • Informatii generale pentru artisti
  • Contact
  • Home
  • Adrian Barbu
  • Andreasz Szanto
  • Andrei Matei Banc
  • Claudia Iuliana Ciofu
  • Ciprian Istrate
  • Cornel-Marin Chiorean
  • Daniela Mihai
  • Edgar Balogh
  • Elena EliS - Chiper
  • George Bilan
  • Gabriela Culic
  • Gheorghe Miron
  • Marian Lupu - Lupino
  • Matei Enric
  • Stefan Balan
  • Romanian Masters
  • Lo's Corner
  • Of Books and Other Demons
  • Informatii generale pentru artisti
  • Contact
ROMANIAN ARTWORKS

Hieronymus Bosch, eretic sau fantezist?

11/24/2012

0 Comments

 
    Astăzi vă voi scrie despre un pictor olandez care îmi place destul de mult pentru faptul că lucrările sale sunt nu doar bizare, ci au fost elaborate într-o epocă în care a fi atât de ingenios vizavi de abordarea banalelor subiecte de ordin moral și religios nu părea să fie ceva tocmai la ordinea zilei. După cum ați remarcat încă din titlu, vom poposi în fabrica de tablouri a lui Hieronymus Bosch, despre care știm că a trăit undeva în perioada 1450-1516, astăzi planând un total mister asupra a ceea ce înseamnă atât personalitatea sa, cât și semnificația artei sale. Este interesant, însă, exercițiul de imaginație pe care avem ocazia să îl facem împreună privind câteva dintre tablourile sale. 

    Maniera în care Bosch și-a realizat majoritatea tablourilor ne face să le încadrăm în categoria ”tripticelor”, semnificând că acestea erau compuse din trei panouri unite prin balamale, ceea ce făcea posibilă plierea părților laterale peste cea principală, așa cum am închide obloanele peste ferestre. Panourile conțineau imagini pictate nu doar pe interiorul celor două secundare, ci și pe exteriorul lor. Partea centrală era, în general, punctul culminant al poveștii ilustrate. Există, totuși, și tablouri realizate dintr-un singur panou. Nu cunoaștem anii exacți în care Bosch a pictat fiecare tablou în parte, iar asta din cauză că artistul nu își data operele. Doar șapte din tablourile atribuite acestuia au fost semnate de însăși mâna pictorului, ceea ce oricum era o extravaganță pentru zilele sale, dar se estimează că numărul actual ar fi triplu. Ce se ascunde în spatele picturilor lui Hieronymus Bosch? Interpretările sunt variate.      De la erezie și până la fantezie, de la metafore cu tentă morală până la amuzament, totul a fost acceptat, deși trecerea timpului le-a diminuat impactul vizual, odată cu familiarizarea progresivă a degustătorului de artă cu stiluri din ce în ce mai îndrăznețe. 

    Să facem, așadar, o listă cu câteva dintre cele mai cunoscute picturi ale artistului olandez:


Ispitirea Sfântului Anton


Picture
Picture
Picture
    Sursă de inspirație pentru scriitori precum Gustave Flaubert, Ispitirea Sfantului Anton ilustrează un subiect biblic adesea întâlnit în pictură, cel mai celebru tablou bazat pe acest episod aparținandu-i, cel mai probabil, lui Salvador Dali. Detaliile bizare adăugate în părțile superioare ale celor trei fragmente de tablou reprezintă punctul de atracție al picturii și sunt în concordanță cu atmosfera de iluzie, tentație, păcat și supranatural ce domină compoziția.




Grădina plăcerilor


Picture
Picture
Picture
    Catalogată ca fiind cea mai fantezistă pictură a lui Bosch, Grădina plăcerilor prezintă un cadru dominat de nuduri și de progresia păcatului uman. Partea stângă a picturii îi înfățișează pe Adam și Eva după momentul creației, compoziția alunecând în partea centrală spre ilustrarea unei lumi preocupate de plăcerile trecătoare. Povestea picturii culminează cu suferințele iadului, apărute ca o consecință a desfrâului, această secvență fiind prezentată în panoul din dreapta.


Moartea avarului



Picture
Picture
Picture
    Inevitabilitatea morții și egalitatea tuturor în fața ei este subiectul tabloului de mai sus. Avarul, deși muribund, nu se poate abține de la a cădea pradă iarăși tentației aurului, așa că întinde mâna spre punga cu bani oferită de un demon, ignorând îngerul ce încearcă să îi salveze sufletul. Ceea ce vedem in detaliul lăzii cu galbeni ar putea fi avarul însuși în timpul vieții, când pretindea că ar fi pios (ține în mână un crucifix) dar totodată avid după aur.



Carul cu fân


Picture
Picture
Picture
   Încă un tablou pe tema păcatului și a pedepsei, pornind de la imaginea Paradisului și ajungând în al treilea panou la reprezentarea Iadului. Carul cu tentații este împins și tras spre Iad de către demoni, în timp ce oamenii se agață cu disperare de el pentru a gusta din delicii. Creaturile fantastice și figurile animaliere bizare accentuează atmosfera de coșmar.


0 Comments

Ce stiam sau nu stiam despre genii ale picturii

10/18/2012

0 Comments

 
Click to set custom HTML
    Dacă tot a venit frigul, hai să ne încălzim la ceas de seară cu un subiect ceva mai ”neserios” decât ceea ce am înghesuit până acum în Colțul lui Lo. Vedetele: pictori faimoși. Mai exact, opt secrete mai mici sau mai mari ale câtorva dintre mințile ”colorate” ce s-au perindat de-a lungul timpului prin poiana minunată a nuanțelor. Hai să începem.


    1. Influențat de parinții săi încă din fragedă copilarie, Salvador Dali a avut toată viața ferma convingere că este reîncarnarea fratelul său decedat cu puțin timp înainte de nașterea sa, al cărui nume îl și purta. Acest detaliu marcant și-a pus amprenta și pe creațiile sale, iar Dali nu a simțit niciodată că și-ar fi descoperit adevarata identitate.
    2. Numele complet al lui Pablo Picasso conținea nici mai mult, nici mai puțin de 23 de cuvinte (includem aici și conectorii). Motivul? Prea multe rude și sfinți de mulțumit. Astfel sună sus-menționatul nume:Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Clito Ruíz y Picasso.
    3. În 1888, Vincent Van Gogh și-a tăiat urechea și a făcut-o cadou unei prostituate dintr-un bordel. Este, însă, adevărat ca Van Gogh s-a automutilat? Circulă o legendă conform căreia un alt pictor celebru, Paul Gauguin (excelent mânuitor al sabiei, mereu înarmat) ar fi fost adevaratul făptaș. În corespondența purtată cu fratele său, Van Gogh vorbește despre pactul tăcerii dintre el și Gauguin, iar spiritele istorice încearcă să facă lumină în acest mister.


    4. Se spune ca celebrul Michelangelo detesta pictura, considerând-o o formă de artă inferioară, de exemplu, sculpturii, și că aceasta ar fi fost o pierdere de timp potrivită mai mult femeilor decât bărbaților. Mai mult, pictarea peisajelor ar fi trebuit sa fie interzisă, considera același Michelangelo.


    5. Mapamondul întreg cunoaște celebra Mona Lisa a lui Leonardo da Vinci, al cărei zambet subtil a făcut să curgă atât de multă cerneală de-a lungul timpului. Nu vom cunoaște, probabil, niciodată motivul acelui zâmbet. Ceea ce știm, însă, este faptul că Leonardo a lucrat timp de aproximativ zece ani pentru desăvârșirea acestuia. A meritat efortul, nu-i așa?


    6. Rafael era recunoscut ca un imitator al stilurilor tuturor pictorilor cu care intra în contact. Se spune chiar că obișnuia să îl spioneze pe Michelangelo atunci când acesta picta Capela Sixtină și să ii fure constant ideile.


    7. Paul Cezanne picta nuduri exclusiv imaginare, deoarece niciun model nu dorea sa pozeze în astfel de ipostaze pentru el.



    8. Paul Gauguin, presupusul mutilator al lui Van Gogh, a lucrat ca muncitor și a participat la construirea canalului Panama.

0 Comments

Scurta istorie a evolutiei cartii

9/12/2012

5 Comments

 
Cândva, cu câteva zeci de mii de ani în urmă, umanitatea făcea primii pași spre descoperirea sa artistică și culturală, începută prin simpla și naturala curiozitate de a cunoaște mai mult decât cunoștea deja. Începutul s-a produs prin exteriorizări modice dar îndrăznețe totodată: arta rupestră a fost, cu siguranță, prima formă de manifestare artistică de care omul primitiv s-a putut apropia. Reprezentare a mediului cunoscut și încercare de a formula mesaje imposibil de exteriorizat în mod adecvat din cauza dezvoltării intelectuale limitate, precursoare a mesajelor scrise, arta primitivă a ramas actorul principal până în momentul în care omul, mergând fără oprire pe panta ascendentă a descoperirilor, a realizat că imaginile nu erau singurele metode posibile de a își exprima imaginația și de a imprima pe un suport ceea ce, poate, dorea să scoată la lumină din propria sa tăinuire de idei. Astfel, a descoperit că diverse însemne gravate pe bucăți de piatră, lemn sau os pot substitui imaginea pictată, iar grupări de astfel de semne pot forma un mesaj mai amplu. Imagini reprezentând animale, păsări, apoi diverse semne grafice au devenit ceea ce cunoaștem ca fiind, oficial, cea mai veche scriere din lume, scrierea sumeriana. Deși locul fruntaș de cea mai veche scriere din lume este contestat, neoficial, de tăblițele descoperite la Tărtăria, pe teritoriul actual al României, scrierea sumeriană este, probabil, cea mai complexă scriere veche.

De aici, lucrurile au mers pe făgașul natural al descoperirii și evoluției perpetue. Scrisul a devenit familiar pentru din ce în ce mai multe civilizații antice, iar efortul cumulat a făcut posibilă descoperirea mijloacelor din ce în ce mai variate de scriere. De la desene executate pe piatră, scrijelituri sau gravări în materiale dure, omul a trecut la utilizarea de materiale mai prietenoase și, putem spune, mai rafinate, cum ar fi pielea de animale tratată prin metode chimice, ”hartia” specială preparată din anumite plante (hartie ce a primit numele de papirus) sau chiar materiale textile. Civilizațiile precolumbiene, extrem de evoluate din punct de vedere al culturii și civilizației, utilizau pieile de animale pentru a elabora manuscrise pictografice complexe numite codice, dintre care multe s-au conservat până astăzi. Tot din piei de animale (domestice sau chiar sălbatice) se fabrica pergamentul oriental, data apariției acestuia fiind ulterioară papirusului, dar nereușind totuși sa devină un competitor de seamă în fața ”monstrului” egiptean, mult mai ușor de preparat și procurat. Ingeniozitatea fabricării papirusului este datorată, dupa cum am menționat, civilizației egiptene, care prepara acest suport special dintr-o plantă numită Cyperus papyrus. Ulterior, papirusul a devenit cunoscut și utilizat în Grecia și Imperiul Roman. Transcrierea manuscriselor era efectuată de către scribi, iar durata executării unei astfel de sarcini minuțioase necesita o perioadă îndelungată de lucru, mai ales dacă ținem cont că unele papirusuri atingeau dimensiuni de zeci de metri, cel mai lung papirus egipteam fiind cronica domniei lui Ramses al III-lea (peste 40 de metri lungime). Chinezii, în schimb, utilizau suportul textil, mătasea mai exact, pe care își pictau mesajele.


Adevărata revoluție a cărții, cea care i-a alterat forma și îmbunătățit caracteristicile s-a produs odată cu inventarea tiparului. Johannes Gutenberg, pe numele adevarat Johannes Gensfleisch, a tipărit primele cărți religioase, biblii cu precădere. Noua carte a cucerit prin aspectul practic: dimensiunea compactă o făcea ușor de utilizat și transportat, raportul durată a realizării exemplarelor-număr de exemplare executate s-a echilibrat. După 1500, aspectul cărților s-a apropiat și mai mult de forma contemporană atât de dragă nouă. Rămâne o umbră de tristețe pe care modernitatea a aruncat-o asupra acestor obiecte de cultură. Cândva, semenii nostri depuneau mari eforturi pentru a le obține, păstra și utiliza. Acum, când industrializarea și tehnologizarea excesive (in sensul bun, totuși) fac posibil accesul instantaneu la informația tipărită, ne îndepărtăm de această invenție cu viteza galaxiilor. Este vorba, oare, de fuga de cuvântul tipărit sau ne confruntăm cu o altă etapă a evoluției culturale? E-Books. Mai practice, mai atractive, mai în pas cu omul modern avid de tehnologie. Cea mai nouă ”carte” pe care, personal, nu o pot asimila încă.  Poate să mențină aprins interesul pentru cuvântul scris? Călătoriile cu metroul îmi vor dezvălui cândva.





5 Comments

Forma vizibila a invizibilului

9/9/2012

2 Comments

 
Când privești forma valurilor. ce poveste îți spun? Când privești formele chipului drag, ce versuri îți recită? Dar glasul formelor prinse în piatră, lemn sau lut, în ce tonalitate îl auzi? Mă interesează să stăm de vorbă despre sculptură și făurirea obiectelor cu formă umană în măsura în care aceste procedee pot fi tratate precum mesagerul dorințelor ascunse ce nu pot izbucni verbal, al secretelor încuiate departe de planul conștient, al nebuniei născătoare de corpuri lipsite de suflare aparentă și înzestrate cu o istorie imaginară, al magiei primitive și al forțelor nevăzute.


Prima întrebare: cât de moartă este o sculptură cu formă umană? Ajunge suflarea creatorului atât de departe încât să anime răceala și duritatea materialului? Dacă ne gândim la Pygmalion, a sculpta înseamnă a îți făuri destinul. Știi povestea lui? Sună cam asa: Pygmalion, făuritorul de obiecte prețioase, ajunge să creeze, din dragoste pentru sculptură, o femeie de care se îndrăgostește. Iubirea lui este atât de puternică încât Venus nu poate rămâne rece la dorința acestuia de a vedea statuia metamorfozându-se într-o femeie adevărată, în care fildeșul devine carne caldă și plină de clocotul vieții. Așadar, Pygmalion își vede visul prinzând viață la propriu, ceea ce știm că in lumea străină de Olimpul mitic sau galeria romană de zeități nu poate fi înfaptuit, dar istoria lui are totodată un înțeles mai profund. Idolatria dusă la extreme, în care labirintul dorințelor devine atât de încurcat încât până și creatorul pierde firul salvator iar realul și imaginarul se întrepătrund, abstractul se dispersează in concret precum cerneala în apă, ochiul interior radiază umbrele realului. Statuia lui Pygmalion se poate compara ca influență cu cele ale zeilor sau idolilor de piatră primitivi, toate apărute din nevoia omului de a simți un ascendent ”ales” asupra slăbiciunii și limitării de muritor. Idolatria are la bază un procent ridicat de iubire obsesivă pentru idolul venerat, este un fetișism religios mustind de sexualitate.


Aspectul estetic este dual. Pe de o parte, există sculpturile divin de armonioase; pe de altă parte, există figurile demonice întruchipând neajunsurile și pedepsele ce pot surveni în calea omului dacă se abat de la o cale considerată ca fiind ”impusă”. Crearea unei sculpturi poate da viață omului perfect, invincibil, cu forme și curbe armonioase ce sfidează imperfecțiunea celui care creaza. Produsul final poate reprezenta ceea ce creatorului îi lipsește în propria sa ființă, sau, precum în cazul lui Pygmalion, ceea ce îi lipsește dincolo de propriul său corp pentru a putea fi perfect fie și în prezența imperfecțiunii sale. Una dintre primele imagini cu sculpturi pe care le-am văzut vreodată în copilărie a fost o reprezentare a statuii lui David, iar ceea ce m-a marcat în acele momente a fost, pe lângă nuditatea nonșalantă a eroului, senzația de perfectă armonie pe care corpul dăruit de dalta lui Michelangelo o emana împreună cu hotărârea și forța de pe chip. În mintea mea, David a reprezentat prelungirea mută a aspirațiilor personale nutrite de Michelangelo. Cât despre zeii amenințători, cu priviri și grimase electrizante, sau idolii prezicători de catastrofe, ei întruchipează teama și ororile subconștientului uman, mereu în luptă cu binele și răul ori cu propria lor urâțenie lăuntrică.


Știi ritualurile acelea în care figurine din lut sunt confecționate cu scopul de a juca rolul unor forțe ale naturii, ale unor zeități sau spirite? Am avut ocazia să fiu martora unor astfel de evenimente și am văzut cum o simplă figură monotonă și făurită din lutul primordial se imbrăca, pe masură ce căpăta formă, cu puteri supranaturale și cu abilitatea de a impune solemnitate în fața celor cu puteri mai concrete decât ale ei, adică oamenii. În unele părți ale României încă se mai practică anumite ritualuri de invocare a ploii, de exemplu, în care rolul central este jucat de un omuleț de lut trimis ca mesager pe o apă curgătoare. Partea cea mai interesantă pentru mine, ca observator, a fost aceea că persoanele implicate în acel ritual erau ferm convinse de eficacitatea lui. Întâmplator sau nu, în decursul acelei zile a plouat. Pe același fir putem continua cu păpușile voodoo, deși termenii ecuației se schimbă deoarece păpușa nu mai reprezintă forma conducătoare, ci se are rolul de marionetă a creatorului. Totuși, in aceeași masură papușa este mesagerul aspirațiilor umane de a influența mersul lucrurilor.


Mi-ar plăcea foarte mult să aud păreri despre subiectul de astăzi, așa ca te invit sa îndrăznești.


2 Comments

Masks in ancient cultures and tribes

7/29/2012

0 Comments

 
Click to set custom HTML
They can be pretty-looking or ugly, big or small, scary or funny, sober or bursting with colour. Their purpose can be related to art, religion and rituals, death and darkness or life and light. So many are the reasons why they have been crafted by the human imagination and necessity, so long has been their travel throughout time and cultures that these objects deserve a place in the virtual gallery you visit every time you read Lo's Corner. Drop the un particle from unmask and you will discover today's guest. The topic of masking and masquerade is so broad that only an encyclopedia could properly cover all the types of cultures involved in this religious and cultural tide. Therefore, I had to make a quick and tough choice and pick only a handful of cultures out of the great bag of masks, three of them to be more specific: Ancient Greece, Ancient Egypt and the American tribes.

Ancient Greece is the place where theatre masks originated, amongst which we can find the famous symbol of today’s theatre, the tragedy and comedy masks. It is considered that the practice of wearing this kind of objects during stage performances was derived from the rituals dedicated to the Greek god Dionysos. The fabrics and elements used for crafting and decorating them ranged from wood to animal products such as leather or hair (Greeks used even human hair for that) and they had to express various emotions according to the roles. Actors used masks for some reasons. First, women were not allowed to play onstage and therefore men had to disguise into female characters. Another reason was that by wearing a mask an actor could easily switch from one role to another, as the number of actors allowed onstage was limited. Finally, masks were a means of transmitting the message of the plays to all the people in the crowds, even to the ones located very far from the stage. Even though no genuine Greek masks have survived the fight with time, we have proofs of their existence due to the scenes depicted by the ancient artists on decorative objects, vases or in drawings.

We have seen that Ancient Greece used masks for more enjoyable or art related purposes. Ancient Egypt, on the contrary, is very much known for its death masks, which were applied on the faces of the mummies. The purpose of these objects was not simply a decorative one, but it played and extensively religious role and acted as a preserver of the spirit (Ka) and spiritual features the dead had possessed. For the Egyptians, death was a mere step towards afterlife. After the awakening, masks were useful because with their help the spirit could recognize the body it has previously inhabited during the earthly life. However, these masks did not always respect the real level of beauty on the mummies’ faces, and they were usually more flattering than nature had been to the possessor. Any mummy was provided with a mask usually made of a plaster cast, painted in colourful tones. It is obvious that the degree of artistic touch and the value of the materials employed in crafting a mask were accordingly to the importance of the future wearer, the rich and the noblemen carrying with them in the afterlife precious metals and jewels.


We keep travelling on the trail of masks and we arrive in the land of the Native American tribes. Rituals and ceremonies played an important role in the life of the Amerindian people and the masks they used for this reason depicted either humans or animals. Every clan was considered to have descended from a particular animal which guarded the clan all the way through history. It was also thought that the spirit of a certain animal represented on the mask would enter the body of the wearer and endow him with all its features and qualities. Storytelling rituals, rituals of initiation, healing or death were all instances where masks metamorphosed the wearers so that they can trespass the border to a different self, hidden and revealed only by help of a new face. The sacrificial masks used by the Aztecs or the Mayas were, on the other hand, used for religious purpose and they often represented the face of the gods in the name of which sacrifices were performed. This custom meant to add power and solemnity to the rituals.



We have reached the finish in our today's short travel and I will put an end to it with the regret that it did not allow me to write about each and every wonderful culture around the world involved in the great movement of masking. Perhaps, one day...
0 Comments

Short story from a long distance

7/7/2012

0 Comments

 
Click to set custom HTML
[...]Crossing a border and leaving behind the familiar scene of the always unaltered, never changing play of your life is not only a matter of choice, but also a matter of changing skins in a natural way led by the universe. It means running away from the high tide that always menaces to flood the cellar of the house, a metamorphosis from the heavy-coated, sun-burnt larva to the butterfly of one's desires. This is precisely what she was thinking about when approaching the new border in her life, flying above the earthly clouds, so far away and so far above anything material or mortal. Where she was, she felt untouchable, nesting like a baby on some soft breasts or like a woman's hand on the sweetest parts belonging to body of her lover, there was no time there and no space either. It was all about losing or throwing away the grey and dull shirt worn throughout the unsatisfactory days gone by. There was a new start at hand, and new air to breathe, new perfumes to smell from a bottle fully open in front of her face and a cooling breeze to play in her nervous hair. 
Out of the window, there was the engulfing infinity and the sun ruled the end of summer, letting go the old season in Europe and welcoming the never-ending summer of the girl's heart, enhanced by emotions and  pleasant thoughts. The engines and the wings gave a smooth life to the plane which was easily sliding through the air, slipping from any hands of time that tried to catch it, a big bird with a big stomach, protector of the countless lives inside, fragile eggs with warm skin and fast-beating hearts. The feeling of freedom reigned all over the space, the silence of the celestial heights was trying to make its way through all the pores like hot lava cutting through any living, bare chest daring to face it on the hot trail. She had her chest bare the same way, in front of the lava about to embrace her again with soft, arousing arms. Once she had felt the hotness, she knew she had to go back to the source and search for what had given her that thirsty sting.
Where she went, she had no clue.  All she knew was a land she was about to step on, a name to give to it and a handful of information gathered from here and there. Still, happiness opened her arms right there, right then, and that weighed more than any ice-cold certainty[...]

0 Comments

On the lack of beauty

6/27/2012

0 Comments

 
  Last time we discussed a bit about beauty, and I was trying to give some original definitions, as original as I could, for this concept. Let's discuss now, in a couple of lines, about the lack of beauty. This is not really some concept I find extremely pleasant to my senses or my approach, but at least this way it becomes some sort of a challenge to me. Like I previously stated, I am usually the type of person who believes that things are either beautiful or not and that there are no in-betweens in this field. My eye is almighty - if it sees beauty or ugliness somewhere, then it is right. The body, the mind, the soul, the phenomena - anything can lack beauty. 
     To make a long story short, ugliness might be...
...the evil stepmother from the stories who wants to destroy her successful stepdaugher, or the evil stepsister who as well wants to get the best in life and the best guy too. Both of them, stepmother and stepsister get their ass kicked in the end. Notice they cannot even be mother/halfsister to beauty, there is always a matter of absent blood relations.
...the extravagance of those who find beauty overrated. They get to be ugly-mannered, ugly clothed, ugly-spirited so that they can feel different albeit negatively extravagant.
...the only faithful friend who still stands by somebody after the dog dies. Or after the husband/wife runs aways with somebody else.
...a punishment for the sins commited in a past life, as some religions believed.
...the Phoenix bird of visual concepts. No matter how hard you want to make it disappear, it still finds a way to rise from the ashes.
...the end one wants to avoid, or the end one wants to change, the lack of any solutions or options. full stops, small doors and closed windows, ragged carpets full of moths, yellow wedding dresses from some sad past, rotten cakes and a lost shoe that will never rejoin its partner.
...stormy feelings that ravage one's inside and breaks the equilibrium like a dry wishbone.
...'nature’s way of keeping species from interbreeding'. At lest this is what I have read in a biology related article.
...the lack on inspiration, that feeling when the glue is dry and you cannot stick your ideas in the best way possible and they look like cheap shoes about to fall apart.
...poetry with no rime, as odd as it may sound. Poetry with no honey in it to make it slide easily into the bowl of sweetness.
...unrequited love that burns down the fireplace of the soul.
...distance. space. empty boxes in one's heart, empty chambers, dusty veins, rusty blood, cracked mirrors of self-confidence, chipped glasses of hope, infected wounds kept tight in iron claws, shaky ground after a perfect moment of fulfilment

    I found a quite interesting quote of George Orwell's and I want to use it instead of a conclusion. It goes like this: 'Part of the reason for the ugliness of adults, in a child's eyes, is that the child is usually looking upwards, and few faces are at their best when seen from below'.
0 Comments

One day we shall all lose our sense of beauty

5/6/2012

0 Comments

 
    What is beauty, indeed? After a quick search in the drawers of my mind, here are the definitions I could provide to shape beauty a bit. In the end, the answer is somehow less majestic, but for the love of playing  with the words I will stick to writing the following lines.
Picture
Edgar Balogh - Exbarbie & Flesh Tones III
    Beauty is that concept which comes from nowhere explainable, nowhere palpable, nowhere smellable, nowhere tastable or drinkable. It has no beginning, no end and no primordial maker. It might have appeared right before the atoms sprang from the void, or maybe even before the void sprang from the nebula of the imagination, or maybe even before eternity started, right at the edge of infinity. It is what is right to be since everything that is wrong cannot be either beautiful or desirable, fair or lovable. 
    Beauty is that demon that fools the eye and ties the hands of the practical and realistic approach. It puzzles the cortex and knots the neuronal links or synapses, puts paint on the windows like a naughty child so that the grown-ups cannot see more than their neighbouring, living-room vista.
    Beauty is no more than a fake suit that our brain erects around an idolatrical skeleton. It goes up, upper, the upmost like smoke from a chimney and clads the spiny lines or the sharp edges.

Picture
Flavio Parsley - Ancient Chorus
 Beauty is sometimes the curse of the ugly mind. The more evil one thinks, the more beautifully one stings. The deeper the rotting, the sweeter the cutting.
    Beauty is that poor girl nobody understands indeed and who gradually becomes the blamable whore in the general opinion of her peers just because she is unable to stand up and fight. People generally mould her according to their own needs. She ends up throwing herself off a high place and crashes against the sudden awakening.
    Beauty is our own interpretation of what we think we might like enjoying in our idealistic portrayal. We cannot even maintain this inner filter unspoilt or unbroken. Any mirror is subject to breaking every now and then, and the same occurs to our beauty filter when we overcaress and overclean its surface. The kitten got claws and the change has fangs. We might say it is the evolution of the senses towards the unattainable perfection.
    Beauty is the reality of the stubborn brain which cannot get out of its diapers at the right time and still wants to see the world through blurred eyes. The baby brain of the lover of the unrealistic landscapes shall be allowed to hide itself between the folds of its blanket.
    Beauty is that word which does not have any inspiring, beautiful or logical anagrams. Try and find one yourselves, I couldn't.
    Beauty is, for me, my point of view in the first place because I am the ruler of my choices so everything else is reduced to dust.
  

Picture
Stefan Balan - Spirit
0 Comments

Nibbles and Thoughts

4/25/2012

0 Comments

 
Picture
© RomanianArtworks
    So it is like this - every creation starts with a huge blank. It may be the great nebula in which you dive for inspiration, if you still have no conceptual ideas but feel the urge of conceiving something, anything, so that you can get out of your head that little demon demanding to be born. It may be the blank sheet of paper that needs to be filled with words, the blank space that needs to be filled with music, the blank canvas that awaits to be the new home for colours. It may be as well the blank state of achievement that covers the artists' mind after accomplishing their work, the peace occuring after the tumult of the labour. 
Picture
© RomanianArtworks
    What is the purpose of creation, after all? Is it the desire to impress the others or to impress ourselves? Is it a human act or a surnatural act? People started giving a shape to their ideas and views primarily because they needed to leave behind a trace of their point of view, customs and beauty standards. They desired to be more than vanishing bodies and this was pretty natural and understandable after all since every thought of this kind sprang from the idea of competition between individuals. Here we get to the point where all the roads seem to be leading to a single conclusion - we create as a result of our innately competitive mind. It is pretty amazing how this penchant towards competition blinds us to such a rate that, sometimes, we cannot perceive our limits and persist in achieving something, or if we actually become aware of them, still insist to walk on the road to improvement. Secondly, we might as well say the act of creation is merely the result of our desire to give a tangible figure to our inner perception, which is constantly altering as time goes by. Or maybe the necessity to create comes from the natural instinct of procreating and becoming a parent. Create and procreate, the structure of the words is similar, the implications are almost synonyms . Every artist's perception changes in time at the same rate with the body, and every age has a different meaning and hue. Practice makes perfect in the same way as living should bring more and more wisdom. The third question I constantly asked myself in childhood, while amazed by the romantic and passionate views on the act of creation was whether conceiving an work of art is no more than a human feature or whether by doing this we actually ascend to a higher level of communion with the greater spirit of the universe, whether by becoming a genitor in the artistic field we find another path to karmic purification and to the so-desired Nirvana. I used to write poetry and short stories and the act of doing it always brought me a state of trance. I sometimes felt that my pen was lead my something more than my will and this was quite a unique experience related to writing. It seemed that my choice was not utterly mine. I assume I will never totally understand how inspiration is born, which is the mechanism that triggers it. It might be evolution after all. Still, writing didn't bring me satisfaction or made me feel at ease as the desire to write generally came as a result of some major spirtiual troubles, so each and every time I gave birth to bits of my imagination, I felt like a young mother struggling with post-partum depression.  
Picture
© RomanianArtworks
   I want to avoid a possible conclusion on today's post because conclusions are too saddening as they seem to mark a definite and inflexible end, or art and conception have no end and no beginning, they have existed in the grains from which the Universe arose, they will exist even in the dark cloak surrounding the end of the same Universe, making possible a future rebirth.  
0 Comments

The Russian extravagance seen through Carl Fabergé's creative eyes

4/12/2012

0 Comments

 
Picture
    Happy Easter to all  our readers out there! Lo has put her mind to work and has decided to surprise you with a special post, Easter-related of course, in which the main symbol of this holiday -the egg- is presented not as a primordial means of reproduction, but as a wonderful jewel. The egg in itself has always been a symbol of immortality and ressurection. It represents a microcosmic world in which all the elements of  regeneration and perpetual development happily reside. Life brings improvement with every generation to come and the egg,  in spite of  its outer fragility, but due to its inner power, eventually became a sacred symbol, endowed with great financial and historical value with the help of Carl Fabergé's masterful creations.  

Picture
    I believe  you have already guessed what stars we have today in the spotlight: they are the famous Easter eggs created by the House of Fabergé for the last Imperial family of Russia in particular and for other wealthy aristocrats as well. But before  making you familiar with  a bit of their history, let us discover who was the gifted creator of these unique pieces of fine art.  
Picture
    Peter Carl Fabergé was born in a family accustomed  to the jewellery industry, his father  having been a jeweler himself, and was educated in the spirit of this fine and luxurious art. He eventually received the title of  Master Jeweler, and this way the path to success and recognition was opened in front of him, being continually paved with luxury since the late 1800s. How did Carl Fabergé begin creating his  priceless Easter eggs?  
Picture
It all started in 1885, when the Russian Czar Alexander III came up with the idea of having an Easter egg made as a gift for his wife. Fabergé was chosen to complete this delicate task due to his well-known ability as a goldsmith and jeweler, and so the Imperial present was brought to life from the imagination of the master jeweler. The egg looked like a genuine hen egg, but made of gold and covered in white enamel. Furthermore, the egg was not only a jewel in itself, but hid inside other valuable gold-and-gem pieces of art. The impact that this  imperial present had was unexpected. From that moment onwards, Carl Fabergé became the jeweler of the Imperial family and every year the House of Fabergé created at least another Easter egg for the Czar.
Picture
  Czar Nicholas II, a rigid person oriented towards carrying on traditions, agreed with the custom of offering to his family  gifts created by the House of Fabergé, so during the years when  he was  a crowned head, the tradition set up by Alexandrer III was kept unaltered.  As time went by, the jewels became more and more elaborate, on  condition that the Easter eggs presented  to the Imperial family should contain surprises chosen by Fabergé himself. The  crowned heads seemed to be delighted to discover the treasures hidden inside. 
Picture
    They became a synonym for extravagance, perfection, luxury and aristocracy. Eventually, other rich people from the nobility started ordering Fabergé eggs for their own collections, and the fame of these items was eternally established. The Imperial Easter eggs, which mixed the tragic history of the Romanov family and of Fabergé's creative spirit, are now fabulous pieces of collection worth dazzling amounts of money. Unfortunately, not all the Imperial eggs have survived the rough times that passed over them. Less than 45 of them can be found today in museums or private collections. Still, the fascination cast by these original pieces of art will always survive and their value will increase even more.  
Picture
0 Comments
<<Previous
Forward>>
    Picture

    Despre Lo 

    I'm crazy. And that's enough. 

    RSS Feed

    Categorii

    All
    Artisti
    Bucuresti
    Concurs
    EvoluEarta
    Expozitii
    General
    Muzica
    Suprarealism

Powered by Create your own unique website with customizable templates.